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导演创作完全手册 插图修订第4版pdf电子书版本下载
- （美）迈克尔·拉毕格著；唐培林译 著
- 出版社： 成都：四川人民出版社
- ISBN：9787220110986
- 出版时间：2019
- 标注页数：558页
- 文件大小：188MB
- 文件页数：582页
- 主题词：电影导演－导演艺术－手册
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图书目录
第一部分 艺术个性与故事 1
第1章 电影导演的世界 3
1.1电影艺术与你 3
1.2导演 4
1.2.1什么样的人在做导演 4
1.2.2责任 4
1.2.3个人特质 4
1.2.4合作 5
1.2.5领导力 6
1.2.6面对考验 6
1.3媒介 6
1.3.1胶片还是数字 6
1.3.2短片还是长片 7
1.3.3发展电影艺术 8
1.3.4为什么起步时好莱坞方式不管用？ 8
1.3.5电影制作工具和电影放映 10
1.4学做导演 12
1.4.1环境 12
1.4.2电影学校 12
1.5投身独立电影导演事业 13
1.5.1好消息 13
1.5.2坏消息 13
1.5.3记住低预算 15
1.5.4作者导演和作者控制 15
第2章 确立电影主题 17
2.1选取深切关注的故事 17
2.2艺术、独特性以及竞争 18
2.3独特性、信仰以及眼界 19
2.4发现生活的要义 21
2.4.1应回避的主题 23
2.4.2错位与变形 24
练习2-1：自我经历清单 24
练习2-2：调整自我 25
练习2-3：用梦境来发现潜在母题 25
2.5艺术的形成过程 26
2.6如何写作 26
第3章 故事的戏剧化关键 28
3.1二元性和冲突 28
3.2确定一个角色的冲突 29
3.3表现形式 29
3.4性情影响视角 30
3.5角色驱动型和情节驱动型故事 31
3.6剧情片和宣传片是不同的 31
3.7剧情片的更多种类 31
3.8戏剧性单元和场景 32
3.8.1节拍 32
3.8.2“茶婆子” 32
3.8.3角色议程 34
3.8.4剧情片让我们提出疑问 36
3.8.5质询一个场景 36
3.8.6戏剧性弧线 37
3.8.7情节的层次 37
3.8.8三幕剧结构 37
3.9建造一个围绕“关切的观察者”的世界 38
3.9.1从观察者到讲述者 39
第二部分 电影的创作手段 41
第4章 导演的银幕语法 43
4.1电影语言 43
4.1.1什么是有效的 43
4.1.2人类的表达需要 44
4.1.3人类的立场 44
4.2电影语言与人类感知 44
4.2.1固定的摄影机位置 45
4.2.2移动的摄影机 46
4.2.3静态位置的摄影机运动 46
4.2.4动态位置的摄影机运动 47
4.3镜头和被摄物的并置 47
4.4视点 49
4.5关切的观察者和故事讲述者 49
4.5.1文学与电影讲故事方式对比 49
4.6场景轴线要点 50
4.6.1张力线和场景轴线 50
4.6.2越轴 51
4.6.3表演者和表演接受者 52
4.7创作要点：文本和潜文本 53
4.7.1作者的视点 54
4.7.2关联地使用隐喻和象征 54
4.8构思意义 54
4.9银幕方向和角度 56
4.9.1改变银幕方向 56
4.9.2从不同的角度看同一动作 57
4.10抽象概念 58
4.11主观性和客观性 58
4.12持续时间、节奏和注意力 59
4.13段落和记忆 59
4.14转场和转场技巧 60
4.15银幕语言概要 60
4.16调查研究并成为一个故事讲述者 61
4.16.1拍纪录片对你有何帮助 61
第5章 站在电影制作者的角度思考 64
练习5-1：画面构图分析 64
分析步骤 64
学习策略 65
静态构图 65
视觉节奏：持续时间如何影响感知 67
动态构图 67
内部与外部构图 70
5.1构图、形式和功能 71
练习5-2：剪辑分析 71
观片笔记 72
分析步骤 73
制作并运用平面图 74
学习策略 74
5.2视点与场面调度 78
5.3角色和摄影机调度 80
5.4故事片和纪录片 80
练习5-3：剧本场景与电影成品的比较 80
学习策略 81
练习5-4：灯光分析 82
灯光风格的种类 83
反差 83
光质 83
光源的名称 85
布光的种类 86
学习策略 89
第6章 拍摄练习 91
6.1如何打好基础 91
6.2成果评估 92
6.2.1评分方法 93
6.3发展自己的能力 93
练习6-1：基本技巧——“往返” 94
6-1A：计划、拍摄和剪辑较长的粗剪版本 94
6-1B：剪辑更精练的版本 97
6-1 C：配乐 98
练习6-2：角色研究 99
6-2A：计划、排练以及拍摄展示人物动作的长镜头 99
6-2B：增加一个内心独白 100
6-2C：声音对位与视点 102
练习6-3：开发拍摄场景 104
6-3A：环境的戏剧化 104
6-3B：添加音乐 105
练习6-4：剪辑双人对话镜头 107
6-4A：多个备用镜头 107
6-4B：转换视点进行剪辑 109
练习6-5通过即兴创作表现作者风格 109
6-5A：创作一个简短的场景 110
6-5B：剪辑一个更简短的版本 112
6-5C：从即兴创作到剧本 113
练习6-6：平行叙事 113
6-6A：将一个场景看成两个分开的独立存在的实体 114
6-6B：较长的交叉剪辑版本 115
6-6C：简短的版本 116
6-6D：非连续性和运用跳切 116
第三部分 故事及其发展 119
第7章 鉴别优秀剧本 121
7.1选择适合你的题材 121
7.2为何阅读剧本很难 122
7.3优秀剧本的标志 122
7.4标准剧本格式 123
7.4.1剧本格式 123
7.4.2剧本的分页格式和电视剧本格式 124
7.4.3添加了第三栏的分页格式 125
7.4.4剧本格式的混淆 125
7.5初次评估 126
7.5.1确定给定信息 126
7.5.2做出每幕内容列表 126
7.5.3评估影片质量 127
7.5.4通过行为讲故事 127
7.5.5建立人物和动机 127
7.5.6心理矛盾与行为矛盾 127
7.5.7隐喻与象征 128
7.5.8检测内含价值 129
第8章 分析剧本 133
8.1情节 133
8.1.1障碍和困境 133
8.1.2情节点 134
8.2人物：冲突、发展和变化 134
8.2.1初步印象 134
8.2.2静态角色的定义 134
8.2.3动态角色的定义 134
8.2.4角色发展 136
8.3对白和言语动作 136
8.3.1对白测试 137
8.3.2言语动作 137
8.4检查剧本基础 137
8.4.1分场大纲 138
8.4.2情节大纲 138
8.4.3故事前提 139
8.4.4评估和再评估 139
8.4.5把观众放在心中 139
第9章 导演的发展策略 140
9.1故事的逻辑 140
9.1.1阐释和确立 140
9.1.2延后的阐释 141
9.2可信度、情绪以及赢得观众 141
9.2.1怎样制造一系列的情绪变化 141
9.2.2为观众制造空间 142
9.3设计动作 142
9.4置换原则 143
9.5欢迎批评的声音 143
9.5.1故事的定调 144
9.5.2寻找反响 144
9.5.3临时剧组表演试验 145
9.6吸收批评 145
9.6.1深思熟虑后再行动 145
9.6.2不要把批评看作是针对个人的 146
9.7扩展和分解剧本 146
9.8重写，重写，重写 146
9.9筹集资金和项目说明的写作 146
9.10专业制片人的兴起 148
第10章 可供选择的故事来源 150
10.1文学作品的改编 150
10.2获得版权 151
10.3以演员为中心的电影及其剧本 151
10.4构思：启动一个剧本的三种非传统方法 152
10.4.1方法一：以主题为核心 152
10.4.2方法二：以角色为核心 153
10.4.3方法三：以事件为核心 154
第11章 制定有创意的限制原则 159
11.1道格玛95共同体 159
11.2设定你自己的限制原则 162
第四部分 美学和作者风格 163
第12章 视点 170
12.1文学中的视点 170
12.2电影中的视点 171
12.2.1主要角色 171
12.2.2视点的种类 173
12.2.3故事讲述者的视点 175
12.2.4观众的视点 177
12.3视点就像俄罗斯套娃 178
12.4设计一个视点 179
第13章 潜文本、类型和原型 180
13.1潜文本：赋予画面重要的意义 180
13.2选择类型 181
13.2.1原型 182
13.2.2类型和观点 183
13.2.3类型和故事原型 183
13.3问题一览表 184
第14章 时间、结构与情节 186
14.1时间 186
14.1.1压缩时间 186
14.1.2扩展时间 187
14.1.3线性发展 188
14.1.4非线性发展 188
14.1.5处理时间的其他方法 189
14.2情节 190
14.2.1情节失效 191
14.2.2情节有效：流动和必然性 191
14.3结构 191
14.3.1计划和检验结构 192
14.3.2叙事和非叙事方式 192
14.3.3其他选择 193
14.4主题和主题意图 193
14.4.1抽象：现实之外的意蕴 193
14.4.2使用图形 194
14.5创作路上的机会和改变 195
第15章 空间、风格化环境和表演 196
15.1空间 196
15.2风格化的世界、角色和类型 197
15.2.1距离和悬置质疑 197
15.2.2风格化 198
15.3风格化的表演：扁平人物和圆形人物 202
15.4为隐喻定名与使用象征手法 203
第16章 形式与风格 204
16.1形式 204
16.2故事讲述者的视角 205
16.2.1视觉设计 205
16.2.2音效设计 206
16.2.3节奏设计 207
16.3主旨 208
16.3.1视觉主旨 208
16.3.2听觉主旨 209
16.4布莱希特间离效果和观众认同 209
16.5长镜头VS短镜头 210
16.6短片形式：被忽略的艺术 210
16.6.1电影短片与你 212
16.7风格 213
第五部分 前期制作 215
第17章 表演基础 217
17.1斯坦尼斯拉夫斯基 217
17.1.1状态调整 218
17.1.2想象力 218
17.1.3集中与放松 218
17.1.4状态迷失与重新入戏 219
17.1.5精神-肢体连接 219
17.1.6逐步打造角色内心生活 220
17.1.7内心独白 220
17.1.8孤立与交流 220
17.1.9动作 220
17.1.10角色目标 221
17.1.11潜台词 221
17.1.12角色动作与角色个人化 222
17.1.13调整与预见 222
17.1.14感知记忆 222
17.1.15情感与情感记忆 223
17.1.16将演员的情感当作角色的情感来利用 223
17.2戏剧表演和电影表演比较 224
第18章 指导演员 225
18.1导演与演员的关系 225
18.1.1加强联系 226
18.1.2问答沟通 226
18.1.3积极并温和地执导 226
18.2常见问题 227
18.2.1无法集中与放松 227
18.2.2失去精神-肢体联系 227
18.2.3反应提前与滞后 228
18.2.4孤立地表演 228
18.2.5内心生活缺失 229
18.2.6尾白：叠加台词 229
18.2.7缺乏潜台词 229
18.2.8推进表演 230
18.2.9分离与指示 230
18.2.10缺乏强度与亲密度 230
18.2.11限制演员的表演范围 231
18.2.12解决顽固的矫揉造作 231
18.3排练多少次才算够 232
18.3.1“极限出现时” 232
18.4一些“要”与“不要” 232
第19章 即兴表演练习 234
19.1表演与行动 235
19.2导演在即兴表演中的职责 235
19.2.1判断节拍与戏剧性单元 236
19.3演员在即兴表演中的职责 236
19.3.1让观众看见 236
19.3.2保持状态 237
19.4在练习中尽量挖掘经验 237
19.4.1坚持写日志 237
19.4.2观众守则 237
19.4.3表演持续时间 237
19.4.4评估与讨论 237
19.5即兴表演练习 238
练习19-1：看见或是被看 239
练习19-2家用电器 239
练习19-3：蒙上眼睛表演 240
练习19-4：“变成木材” 240
练习19-5：镜中人 241
练习19-6谁，做了什么，什么时候，什么地方？ 241
练习19-7：独角戏，无台词 242
练习19-8对手戏，无对白 243
练习19-9：胡言乱语 244
练习19-10：独角戏，有台词 244
练习19-11：对手戏，有对白 244
练习19-12：塑造你自己的角色 245
练习19-13：集体演出 245
练习19-14：酝酿情绪 246
练习19-15：情绪过渡 246
练习19-16：切换频道 247
练习19-17：电视节目展销会 247
练习19-18：相亲 248
练习19-19：内心冲突 249
练习19-20：矛盾角色共存 249
第20章 带剧本的表演练习 251
20.1场景分析 251
20.1.1实例 252
20.2通读 254
20.3研读过程 254
20.4“什么时候有用” 254
20.5带剧本的表演练习 254
练习20-1：演员的特质 255
练习20-2：给剧本划分节拍 255
练习20-3：即兴内心独白 256
练习20-4：使节拍性格化 256
练习20-5：节拍点上的表演 257
练习20-6：给我太多了！ 257
练习20-7：让我们成为英国人 258
练习20-8：情节点检查 258
练习20-9：角色转换 258
练习20-10：将场景变成即兴表演 259
第21章 选演员 260
21.1概述 260
21.2选角分析及角色的描绘 261
21.3吸引申请人 262
21.3.1寻找演员的消极方式 262
21.3.2寻找演员的积极方式 262
21.4安排第一次试镜 263
21.4.1答复电话应征者 264
21.4.2演员到达 264
21.5指导第一次试镜 266
21.5.1开始试镜 266
21.5.2理想人物的危险 266
21.5.3独白 267
21.5.4冷读 267
21.6第一轮之后的决策 268
21.6.1反面角色和分类型选角 268
21.6.2长期或短期选择 269
21.6.3性格不断发展的角色 269
21.7第一次复试 269
21.7.1附加独白 269
21.7.2剧本段落表演 270
21.7.3即兴表演 270
21.8第二次复试 270
21.8.1面谈 271
21.8.2混合、搭配演员 271
21.9最后的选择 271
21.9.1整体印象回顾 271
21.9.2镜头前的考验 273
21.10公布选角结果 273
21.10.1给予和收获 273
第22章 深度挖掘剧本 274
22.1影片长度与时间控制 274
22.2阐释剧本 275
22.3两种类型的电影，两种准备 275
22.3.1视觉化 276
22.4准备工作 276
22.4.1分解成可掌控的单元 276
22.4.2剧本分析 277
22.4.3定义潜文本和隐喻 277
22.5揭示戏剧力度的工具 277
22.5.1框图 279
22.5.2曲线图的张力与节拍 280
22.6首次时间安排 285
第23章 演员和导演为一个场景做准备 286
23.1演员的准备 286
23.1.1给定的情境 286
23.1.2背景故事与人物小传 286
23.1.3调整 287
23.1.4目标 287
23.1.5定义动作 287
23.1.6其他角色如何看自己？我如何看待自己？ 287
23.1.7别的角色试图对我做什么，或他们想从我这里得到什么？ 288
23.1.8节拍 288
23.1.9调整 288
23.1.10始终关注角色内心的声音与画面 288
23.1.11理解角色的作用 288
23.1.12了解整部作品的主题意图 288
23.2导演的准备 288
23.2.1潜文本、场景分析、指导的权威 289
23.2.2冲突 289
23.2.3加强戏剧张力 289
23.2.4“笼统的”表演 289
23.2.5角色节奏中的变化 290
23.2.6强制性的时刻 290
23.2.7决定每一个场景的作用 290
23.2.8整部作品的主题意图 290
第24章 初见演员 291
24.1制定排练时间表 291
24.2初次会面 292
24.2.1项目引导 292
24.2.2调查研究与视觉化 292
24.3排练场地 293
24.4带着剧本工作 293
24.4.1做笔记 293
24.4.2第一次排练：桌边朗读 294
24.4.3加深对角色的认识 294
24.4.4最重要场景的讨论会议 295
24.4.5和演员单独见面 295
24.4.6收集反馈意见并建立工作节奏 296
24.4.7排练的顺序 296
24.4.8角色的复杂性 296
24.4.9处理“反面”角色 296
24.4.10让问题溜走 297
24.4.11只解决主要问题 297
24.4.12从节拍到节拍，戏剧性单元 297
24.4.13关注主题意图 298
24.4.14肢体动作 298
24.4.15一个长期的过程 298
第25章 排练和计划拍摄范围 299
25.1脱稿排练 299
25.1.1将思考与意愿融入动作 299
25.1.2充分利用空间 300
25.1.3角色的心理活动 300
25.1.4当角色内心不够丰富 300
25.1.5反应 300
25.1.6有用的误解 300
25.1.7潜台词的表达 301
25.1.8自发状态 301
25.1.9调度 301
25.1.10提示和节奏 302
25.1.11使用布景 302
25.2导演作为积极的观察者 302
25.2.1形式：用陌生的眼光去观察 302
25.3排练录像 303
25.3.1什么时候不应该为演员播放他们的表演 304
25.4跟随电影工业 304
25.5检查时长 305
25.6制作“草稿” 305
第26章 美术设计 306
26.1美术设计问题清单 306
26.2实例讨论 307
26.2.1选定色调的重要性 309
26.3设计一个世界 310
26.3.1情绪 310
26.3.2服装 310
26.3.3声音 311
26.3.4化装与发式设计 311
26.3.5背景墙、家具及道具灯 311
26.4设计确认 312
26.5蓝幕或绿幕 312
26.6模型 312
26.7场面调度 313
第27章 前期会议和设备确定 314
27.1拍戏的日程安排 314
27.1.1根据场景地安排拍摄顺序 319
27.1.2根据剧本安排拍摄顺序 319
27.1.3关键场次及表演安排 320
27.1.4情绪上需要的安排 320
27.1.5天气及其他突发事件的考虑 320
27.1.6每场戏拍摄时间的分配量 321
27.1.7提前或超时完成 321
27.2拟定预算 321
27.2.1线上预算与线下预算 322
27.2.2成本流程和成本报告 323
27.2.3保险 324
27.3拟定设备清单 324
27.3.1警惕：繁琐的设备 324
27.3.2警惕：设备不兼容 325
27.3.3数字采集 325
27.3.4消费级摄影机的缺点 327
27.3.5电影生成 327
27.3.6声音 328
27.3.7后期制作 329
27.4租用设备 330
27.5剧照 330
27.6同意预算和日程表 330
27.7与演员和工作人员签订合同 331
27.8特别提醒 331
27.8.1黄金法则1：做最坏的打算 331
27.8.2黄金法则2：先测试，再实施 331
27.9制片聚会 331
第六部分 制作 333
第28章 培养创作团队 335
28.1关于剧组成员和演员 335
28.1.1使用有经验的人 335
28.1.2培养你自己的创作团队 336
28.1.3剧组成员的性情 336
28.1.4剧组成员的礼节 337
28.2剧组成员的职责 337
28.2.1责任范围 337
28.2.2职责说明 338
28.2.2.1导演部门 339
28.2.2.2制片部门 339
28.2.2.3摄影部门 343
28.2.2.4声音部门 345
28.2.2.5美术部门 346
28.2.3后期制作部门 348
第29章 场面调度 349
29.1目的 349
29.2分析电影 350
29.3长镜头VS短镜头 350
29.4固定镜头VS移动镜头 353
29.5摄影机的主观表达法或客观表达法 353
29.6关联性：分离拍摄法和综合拍摄法 354
29.7勇于追求简单 354
29.8摄影机作为观察者 354
29.9导演工作的核心：故事讲述者的观点 355
29.10处理一个场景 356
29.10.1剧本、概念和场景设计 356
29.11视点 357
29.11.1谁的视点 357
29.11.2视点可以改变 358
29.12妥协：空间、感知和镜头 358
29.12.1镜头不同于人眼 358
29.12.2画幅比例 359
29.12.3选择摄影机镜头类型 360
29.12.4透视和标准 361
29.12.5摄影机与拍摄对象之间的距离变化引起的透视变化 361
29.12.6控制透视 362
29.12.7变焦特写VS推摄特写 362
29.12.8镜头类型与图像质地 362
29.12.9为什么会有胶片感与电视感 363
29.12.10镜头速度 366
29.13摄影机高度 367
29.14限制摄影机的运动 367
29.15适应局促的位置 367
29.16后景 368
29.17摄影机作为揭示的工具 368
29.18为摄影机所做的妥协 368
29.18.1用自己的方式工作 369
29.19向大师学习 370
第30章 编写分镜头剧本 371
30.1诊断问题 371
30.2计划拍摄范围 373
30.3“切至海鸥” 373
30.4在拍重要场面时要用多种方式 374
30.5平面示意图和故事板 374
30.6剧本分析 374
30.7机位设置 376
30.7.1使用张力线 377
30.7.2主观的和客观的 377
30.7.3显示关系 379
30.7.4没有规则，只有意识 379
30.7.5不要越轴 379
30.7.6重组和重置转场 379
30.8计划从何处剪辑 380
30.8.1运动是最佳的剪辑点 380
30.8.2为强化与放松而剪辑 380
30.8.3变换视角的剪辑 380
30.9意外的计划 380
30.9.1拍摄顺序 380
30.9.2对照清单 381
30.9.3注意进程 382
第31章 开机之前 383
31.1装配布景 383
31.1.1避开影子和借位 383
31.2初始设定与编排 384
31.3调度和第一次排练 384
31.3.1放置走位标记 384
31.3.2排练 384
31.3.3用替身试灯光 384
31.3.4第一遍过场 385
31.3.5带妆彩排 385
第32章 开机 386
32.1镜头标记系统 386
32.1.1镜头和场景标记 386
32.1.2场记板 387
32.1.3镜位和镜头编号 389
32.2拍摄记录 389
32.2.1双系统录音 389
32.2.2胶片拍摄 390
32.2.3数字拍摄 392
32.2.4拍摄记录如何起作用 394
32.3倒计时“标记”，然后“开拍” 394
32.3.1不用拍板开始 395
32.3.2工作人员的责任 396
32.4谁可以叫“停” 396
32.5临时镜头 397
32.6胶片洗印 397
32.7补充镜头 397
32.8注意动向 398
32.9调度的改变 398
32.10导演、场记和连戏报告 398
32.11场记表 398
32.12完工 399
第33章 现场录音 401
33.1监听所有录音 402
33.2声音原理 402
33.3录音专家应该物色每个位置 402
33.3.1未预料到的拍摄环境 403
33.4录音设备 404
33.4.1录音机 404
33.4.2话筒 405
33.4.3录音杆 406
33.4.4外景混音器 406
33.5录音要求 407
33.5.1直接与反射的声音 407
33.5.2环境声和现场声音轨 408
33.5.3阴影和多话筒系统 408
33.5.4声源到话筒的距离 408
33.5.5布景内的声音 409
33.6音效和独立音轨 409
33.6.1循环氛围声音 409
33.6.2声景 410
33.7自动对白补录 410
第34章 场记工作 411
34.1协调与通告 411
34.2剧本分析 411
34.3时间表 412
34.4计划拍摄 412
34.5场景衔接的类型 412
34.6服装和道具的失察 413
34.7场记分析 413
34.8时间 413
34.9注意对白 414
34.10动作衔接 414
34.11各个角度拍摄的镜头 414
34.12剧本划分 414
34.13场记的位置 415
第35章 指导演员 416
35.1日常安排 416
35.2你的职责 417
35.3初始阶段演员的焦虑 417
35.3.1提醒演员拍摄进程缓慢 417
35.3.2拍摄之前 417
35.3.3紧张及其后果 417
35.3.4走上正轨 417
35.4导演工作 418
35.4.1将自己和工作人员、演员分开 419
35.4.2排练 419
35.4.3开拍前 419
35.4.4拍摄一条之后 419
35.4.5要求与反馈 420
35.4.6当戏陷入僵局时要临场指导 421
35.4.7反应镜头 421
35.4.8拍摄新镜头 421
35.5挑战你的演员 422
35.5.1人人需要反馈 422
35.5.2感官超载 422
35.6委托 423
35.7批评与反馈 423
35.7.1来自演员 423
35.7.2来自工作人员 424
35.8士气、疲惫和紧张 424
35.9保护演员 424
35.10你要做出表率 424
35.11利用交流时间和休息时间 425
35.12结束一天的工作 425
35.12.1不要把每日样片给演员看 425
35.12.2和工作人员共同观看样片 425
第36章 指导剧组工作人员 426
36.1限制你的责任 426
36.2主动性 426
36.3交流 427
36.4透过摄影机看 427
36.5推进进度 428
36.6当你和工作人员单独在一起时 428
36.7结束一天的工作 429
36.8每日样片 429
第37章 监管进程 430
37.1监控你的资源 430
37.2表演与拍摄的质量 431
37.3实现原创的意图 432
37.4计算进度 433
37.5超越现实 434
37.6放弃控制 434
37.7让故事讲述者常驻心中 435
37.8开销报告 435
37.9在拍摄工作的最后阶段 435
第七部分 后期制作 437
第38章 准备剪辑 439
38.1后期制作团队 439
38.1.1剪辑师 439
38.2剪辑影片和视频 440
38.3后期制作概况 442
38.3.1同步工作样片 444
38.3.2做好工作样片记录 445
38.3.3工作人员样片查看会议 445
38.3.4做笔记 446
38.3.5反馈 446
38.3.6剪辑师和导演观看样片 446
38.3.7唯一的电影出自样片 446
38.3.8标记剪辑剧本 447
38.4开始剪辑 448
38.4.1合成 448
38.4.2与导演一起开始工作 448
38.4.3合作关系 448
38.4.4身兼剪辑师一职的导演 449
第39章 在第一次合成的样片上开始工作 450
39.1硬件和软件 450
39.2不同的制作方法 451
39.2.1数字采集、数字后期、数字发行 451
39.2.2数字采集、数字后期、胶片发行 451
39.2.3胶片采集、数字后期、胶片发行 451
39.3剪辑力学 452
39.4声音考量 452
39.5时间码：NTSC丢帧和不丢帧格式 453
39.6剪辑观念 453
39.7第一次合成 454
39.8观看第一次合成的样片 454
39.8.1无干扰 454
39.8.2你有些什么东西 455
39.8.3第二次播放样片 455
39.8.4诊断式提问 455
39.8.5观看完第一次合成样片后的决议 457
39.8.6优先次序 457
39.8.7篇幅 457
39.8.8结构 457
39.9把剪辑工作留给剪辑师 457
第40章 剪辑原则 459
40.1剪辑是一种模拟性的观察 459
40.2眼神交流 460
40.3观看的过程也是思考的过程 461
40.4摄影机位如何透露心理优势 461
40.5内心生活 461
40.6从观察者到讲述者 462
40.7剪辑影响潜台词 462
40.7.1改变表演节奏 462
40.7.2潜台词的力量 462
40.7.3创造或者改变潜台词 463
40.8视觉与听觉的剪辑节奏：一个音乐的类比 464
40.8.1有节奏的相互作用 464
40.8.2和声 464
40.8.3对位 464
40.8.4不协和音 465
40.9重叠剪辑和转场 465
40.9.1对话段落 465
40.9.2段落转场 467
40.9.3音效在场景省略中的作用 467
40.10实现流畅性的问题 468
40.10.1实际的对位法：流畅地统一素材 468
40.11粗剪浏览 469
40.11.1观看整部电影 471
40.12观众 471
40.12.1剧情发生在观众的想象里 471
40.12.2观众作为积极的而不是消极的参与者 471
40.13总结 471
40.14求助，我不能理解！ 472
第41章 学会分析和利用反馈效果 473
41.1诊断的方法 473
41.1.1设计一个流程图 473
41.1.2再次使用流程图 475
41.2试片 475
41.2.1试片的观众 475
41.2.2准备工作 475
41.3勇于接受批评并充分利用意见 476
41.3.1听取意见，不要辩解 476
41.3.2引导评价 476
41.3.3平衡不同的意见 476
41.3.4以自我为中心的批评意见 477
41.3.5内心的折磨 477
41.3.6谨慎地做出改变 477
41.3.7坚持你的中心意图 477
41.3.8承认失误 477
41.3.9拖延的作用 478
41.3.10尝试，再次尝试 478
41.4适时结束 478
41.5对所有材料进行最后检查 478
第42章 处理音乐 479
42.1配置音乐的过程 479
42.2选择音乐与使用现成音乐 479
42.3版权 480
42.4音乐资料库 480
42.5雇一名作曲家 480
42.5.1会花多长时间？ 481
42.5.2开始工作 481
42.5.3示例音乐 481
42.5.4制作一份音乐线索表 482
42.6基调：剧情音乐与非剧情音乐 483
42.7什么时候该用音乐，什么时候不用 483
42.7.1冲突以及找准同步点 484
42.8现场演奏的音乐 485
42.9音乐剪辑和音乐匹配 485
42.10混音 485
第43章 从精剪到混音 486
43.1精剪 486
43.2声音定稿 486
43.2.1声音、心理声学以及声音对于叙事的作用 486
43.2.2音效（SFX）和声音配置环节 487
43.2.3后期同步对白（ARD） 488
43.2.4拟音音效和同步音效再造阶段 488
43.2.5老套的音效 489
43.3混音 489
43.3.1混音的作用 489
43.3.2混音的准备工作 490
43.3.3解说或画外音 491
43.3.4对话音轨和声音不一致的问题 491
43.3.5音乐音轨 492
43.3.6氛围声音和背景音 492
43.4混音策略 492
43.4.1预混 492
43.4.2修剪 493
43.4.3相对音量：需要引起注意的错误 493
43.4.4检查每一部分，然后再听整体效果 493
43.4.5制作安全备份，然后将它们分别储存 494
43.4.6音乐和音效音轨 494
第44章 字幕、鸣谢以及宣传物料 495
44.1片头字幕 495
44.2对白字幕 496
44.3宣传物料 497
44.4充分利用电影节和放映机会 497
第八部分 职业轨迹 499
第45章 职业规划 501
45.1职业规划的自我评估问卷 501
45.2机遇 504
45.3技而优则导 504
45.4校外纪录片导演 505
45.5激情四射 505
45.6电影学校招生 505
45.7成功属于谁 505
45.8行动起来 506
45.9你在电影学校学到的 506
45.10开始当学徒 508
45.11自救是一种现实的选择 508
45.12职业能力测试的答案 508
第46章 主流电影院校 510
46.1选择适合的学校 510
46.2北美的电影学校 513
46.3出国留学 516
46.4 CILECT成员学校 516
46.5未出校门前做好职业准备 517
第47章 进军电影界 518
47.1电影节、研讨会和获得认可 518
47.2实习 519
47.3居住环境的影响 519
47.4自身素质 520
47.5妥协与否 520
47.6导演之路 520
47.6.1手艺人 521
47.6.2心有猛虎，破茧而出 521
47.6.3迈向成熟 521
47.6.4空想家：毕业即成导演 522
47.6.5攒足经验，即成导演 522
47.7低成本市场与直接发行DVD的影片市场 522
47.8自由职业 523
47.9电视之路 523
47.10发展机构 523
47.11样片的重要性 524
47.12在应聘中秀出自我 525
47.13发展新计划 526
47.13.1寻找主题 526
47.13.2找一个代理人 527
47.13.3形式与市场性 527
重要词汇 528
参考书目与网站资源 549
出版后记 557