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导演创作完全手册 插图第4版pdf电子书版本下载
- （美）迈克尔·拉毕格著；唐培林译 著
- 出版社： 世界图书出版社
- ISBN：9787510048852
- 出版时间：2012
- 标注页数：562页
- 文件大小：261MB
- 文件页数：585页
- 主题词：电影导演－导演艺术－手册
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图书目录
第一部分 艺术个性与故事 1
第1章 电影导演的世界 3
1.1 电影艺术与你 3
1.2 导演 4
1.2.1 什么样的人在做导演？ 4
1.2.2 责任 4
1.2.3 个人特质 4
1.2.4 合作 5
1.2.5 领导力 6
1.2.6 面对考验 6
1.3 媒介 6
1.3.1 胶片还是数字？ 6
1.3.2 短片还是长片？ 7
1.3.3 发展电影艺术 8
1.3.4 为什么起步时好莱坞方式不管用？ 8
1.3.5 电影制作工具和电影放映 10
1.4 学做导演 12
1.4.1 环境 12
1.4.2 电影学校 12
1.5 投身独立电影导演事业 13
1.5.1 好消息 13
1.5.2 坏消息 13
1.5.3 记住低预算 15
1.5.4 作者导演和作者控制 15
第2章 确立电影主题 17
2.1 选取深切关注的故事 17
2.2 艺术、独特性以及竞争 18
2.3 独特性、信仰以及眼界 19
2.4 发现生活的要义 21
2.4.1 应回避的主题 23
2.4.2 错位与变形 24
练习2-1：自我经历清单 24
练习2-2：调整自我 25
练习2-3：用梦境来发现潜在情结 25
2.5 艺术的形成过程 26
2.6 如何写作 26
第3章 故事的戏剧化关键 28
3.1 二元性和冲突 28
3.2 确定一个角色的冲突 29
3.3 表现形式 29
3.4 性情影响视角 30
3.5 角色驱动型和情节驱动型故事 31
3.6 剧情片和宣传片是不同的 31
3.7 剧情片的更多种类 31
3.8 戏剧性单元和场景 32
3.8.1 节拍 32
3.8.2 “茶婆子” 32
3.8.3 角色议程 34
3.8.4 剧情片让我们提出疑问 36
3.8.5 质询一个场景 36
3.8.6 戏剧性弧线 37
3.8.7 情节的层次 37
3.8.8 三幕剧结构 37
3.9 建造一个围绕“关切的观察者”的世界 38
3.9.1 从观察者到讲述者 39
第二部分 电影的创作手段 41
第4章 导演的银幕语法 43
4.1 电影语言 43
4.1.1 什么是有效的 43
4.1.2 人类的表达需要 44
4.1.3 人类的立场 44
4.2 电影语言与人类感知 44
4.2.1 固定的摄影机位置 45
4.2.2 移动的摄影机 46
4.2.3 静态位置的摄影机运动 46
4.2.4 动态位置的摄影机运动 47
4.3 镜头和被摄物的并置 47
4.4 视点 49
4.5 关切的观察者和故事讲述者 49
4.5.1 文学与电影讲故事方式对比 49
4.6 场景轴线要点 50
4.6.1 张力线和场景轴线 50
4.6.2 越轴 51
4.6.3 表演者和表演接受者 52
4.7 创作要点：文本和潜文本 53
4.7.1 作者的视点 54
4.7.2 关联地使用隐喻和象征 54
4.8 构思意义 54
4.9 银幕方向和角度 56
4.9.1 改变银幕方向 56
4.9.2 从不同的角度看同一动作 57
4.10 抽象概念 58
4.11 主观性和客观性 58
4.12 持续时间、节奏和注意力 59
4.13 段落和记忆 59
4.14 转场和转场技巧 60
4.15 银幕语言概要 60
4.16 调查研究并成为一个故事讲述者 61
4.16.1 拍纪录片对你有何帮助 61
第5章 站在电影制作者的角度思考 64
练习5-1：画面构图分析 64
分析步骤 64
学习策略 65
静态构图 65
视觉节奏：持续时间如何影响感知 67
动态构图 67
内部与外部构图 70
5.1 构图、形式和功能 71
练习5-2：剪辑分析 71
观片笔记 72
分析步骤 73
制作并运用平面图 74
学习策略 74
5.2 视点与场面调度 78
5.3 角色和摄影机调度 80
5.4 故事片和纪录片 80
练习5-3：剧本场景与电影成品的比较 80
学习策略 81
练习5-4：灯光分析 82
灯光风格的种类 83
反差 83
光质 83
光源的名称 85
布光的种类 86
学习策略 89
第6章 拍摄练习 91
6.1 如何打好基础 91
6.2 成果评估 92
6.2.1 评分方法 93
6.3 发展自己的能力 93
练习6-1：基本技巧——“往返” 94
6-1A：计划、拍摄和剪辑较长的粗剪版本 94
6-1B：剪辑更精练的版本 97
6-1C：配乐 98
练习6-2：角色研究 99
6-2A：计划、排练以及拍摄展示人物动作的长镜头 99
6-2B：增加一个内心独白 100
6-2C：声音对位与视点 102
练习6-3：开发拍摄场景 104
6-3A：环境的戏剧化 104
6-3B：添加音乐 105
练习6-4：剪辑双人对话镜头 107
6-4A：多个备用镜头 107
6-4B：转换视点进行剪辑 109
练习6-5：通过即兴创作表现作者风格 109
6-5A：创作一个简短的场景 110
6-5B：剪辑一个更简短的版本 112
6-5C：从即兴创作到剧本 113
练习6-6：平行叙事 113
6-6A：将一个场景看成两个分开的独立存在的实体 114
6-6B：较长的交叉剪辑版本 115
6-6C：简短的版本 116
6-6D：非连续性和运用跳切 116
第三部分 故事及其发展 119
第7章 鉴别优秀剧本 121
7.1 选择适合你的题材 121
7.2 为何阅读剧本很难 122
7.3 优秀剧本的标志 122
7.4 标准剧本格式 123
7.4.1 剧本格式 123
7.4.2 剧本的分页格式和电视剧本格式 124
7.4.3 添加了第三栏的分页格式 125
7.4.4 剧本格式的混淆 125
7.5 初次评估 126
7.5.1 确定给定信息 126
7.5.2 做出每幕内容列表 126
7.5.3 评估影片质量 127
7.5.4 通过行为讲故事 127
7.5.5 建立人物和动机 127
7.5.6 心理矛盾与行为矛盾 127
7.5.7 隐喻与象征 128
7.5.8 检测内含价值 129
第8章 分析剧本 133
8.1 情节 133
8.1.1 障碍和困境 133
8.1.2 情节点 134
8.2 人物：冲突、发展和变化 134
8.2.1 初步印象 134
8.2.2 静态角色的定义 134
8.2.3 动态角色的定义 134
8.2.4 角色发展 136
8.3 对白和言语动作 136
8.3.1 对白测试 137
8.3.2 言语动作 137
8.4 检查剧本基础 137
8.4.1 分场大纲 138
8.4.2 情节大纲 138
8.4.3 故事前提 139
8.4.4 评估和再评估 139
8.4.5 把观众放在心中 139
第9章 导演的发展策略 140
9.1 故事的逻辑 140
9.1.1 阐释和确立 140
9.1.2 延后的阐释 141
9.2 可信度、情绪以及赢得观众 141
9.2.1 怎样制造一系列的情绪变化 141
9.2.2 为观众制造空间 142
9.3 设计动作 142
9.4 置换原则 143
9.5 欢迎批评的声音 143
9.5.1 故事的定调 144
9.5.2 寻找反响 144
9.5.3 临时剧组表演试验 145
9.6 吸收批评 145
9.6.1 深思熟虑后再行动 145
9.6.2 不要把批评看作是针对个人的 146
9.7 扩展和分解剧本 146
9.8 重写，重写，重写！ 146
9.9 筹集资金和项目说明的写作 146
9.10 专业制片人的兴起 148
第10章 可供选择的故事来源 150
10.1 文学作品的改编 150
10.2 获得版权 151
10.3 以演员为中心发展剧本 151
10.4 构思：启动一个剧本的三种非传统方法 152
10.4.1 方法一：以主题为核心 152
10.4.2 方法二：以角色为核心 153
10.4.3 方法三：以事件为核心 155
第11章 制定有创意的限制原则 159
11.1 道格玛95共同体 159
11.2 设定你自己的限制原则 162
第四部分 美学和作者风格 163
第12章 视点 170
12.1 文学中的视点 170
12.2 电影中的视点 171
12.2.1 主要角色 171
12.2.2 视点的种类 173
12.2.3 故事讲述者的视点 175
12.2.4 观众的视点 177
12.3 视点就像俄罗斯套娃 178
12.4 设计一个视点 179
第13章 潜文本、类型和原型 180
13.1 潜文本：赋予画面重要的意义 180
13.2 选择类型 181
13.2.1 原 型 182
13.2.2 类型和观点 183
13.2.3 类型和故事原型 183
13.3 问题一览表 184
第14章 时间、结构与情节 186
14.1 时间 186
14.1.1 压缩时间 186
14.1.2 扩展时间 187
14.1.3 线性发展 188
14.1.4 非线性发展 188
14.1.5 处理时间的其他方法 189
14.2 情节 190
14.2.1 情节失效 191
14.2.2 情节有效：流动和必然性 191
14.3 结构 191
14.3.1 计划和检验结构 192
14.3.2 叙事和非叙事方式 192
14.3.3 其他选择 193
14.4 主题和主题意图 193
14.4.1 抽象：现实之外的意蕴 193
14.4.2 使用图形 194
14.5 创作路上的机会和改变 195
第15章 空间、风格化环境和表演 196
15.1 空间 196
15.2 风格化的世界、角色和类型 197
15.2.1 距离和悬置质疑 197
15.2.2 风格化 198
15.3 风格化的表演：扁平人物和圆形人物 202
15.4 为隐喻定名与使用象征手法 203
第16章 形式与风格 204
16.1 形式 204
16.2 故事讲述者的视角 205
16.2.1 视觉设计 205
16.2.2 音效设计 206
16.2.3 节奏设计 207
16.3 主旨 208
16.3.1 视觉主旨 208
16.3.2 听觉主旨 209
16.4 布莱希特间离效果和观众认同 209
16.5 长镜头VS短镜头 210
16.6 短片形式：被忽略的艺术 210
16.6.1 电影短片与你 212
16.7 风格 213
第五部分 前期制作 215
第17章 表演基础 217
17.1 斯坦尼斯拉夫斯基 217
17.1.1 状态调整 218
17.1.2 想象力 218
17.1.3 集中与放松 218
17.1.4 状态迷失与重新入戏 219
17.1.5 精神—肢体连接 219
17.1.6 逐步打造角色内心生活 220
17.1.7 内心独白 220
17.1.8 孤立与交流 220
17.1.9 动作 220
17.1.10 角色目标 221
17.1.11 潜台词 221
17.1.12 角色动作与角色个人化 222
17.1.13 调整与预见 222
17.1.14 感知记忆 222
17.1.15 情感与情感记忆 223
17.1.16 将演员的情感当作角色的情感来利用 223
17.2 戏剧表演和电影表演比较 224
第18章 指导演员 225
18.1 导演与演员的关系 225
18.1.1 加强联系 226
18.1.2 问答沟通 226
18.1.3 积极并温和地执导 226
18.2 常见问题 227
18.2.1 无法集中与放松 227
18.2.2 失去精神—肢体联系 227
18.2.3 反应提前与滞后 228
18.2.4 孤立地表演 228
18.2.5 内心生活缺失 229
18.2.6 尾白：叠加台词 229
18.2.7 缺乏潜台词 229
18.2.8 推进表演 230
18.2.9 分离与指示 230
18.2.10 缺乏强度与亲密度 230
18.2.11 限制演员的表演范围 231
18.2.12 解决顽固的矫揉造作 231
18.3 排练多少次才算够？ 232
18.3.1 “极限出现时” 232
18.4 一些“要”与“不要” 232
第19章 即兴表演练习 234
19.1 表演与行动 235
19.2 导演在即兴表演中的职责 235
19.2.1 判断节拍与戏剧性性单元 236
19.3 演员在即兴表演中的职责 236
19.3.1 让观众看见 236
19.3.2 保持状态 237
19.4 在练习中尽量挖掘经验 237
19.4.1 坚持写日志 237
19.4.2 观众守则 237
19.4.3 表演持续时间 237
19.4.4 评估与讨论 237
19.5 即兴表演练习 238
练习19-1：看见或是被看 239
练习19-2：家用电器 239
练习19-3：蒙上眼睛表演 240
练习19-4：“变成木材！” 240
练习19-5：镜中人 241
练习19-6：谁，做了什么，什么时候，什么地方？ 241
练习19-7：独角戏，无台词 242
练习19-8：对手戏，无对白 243
练习19-9：胡言乱语 244
练习19-10：独角戏，有台词 244
练习19-11：对手戏，有对白 244
练习19-12：塑造你自己的角色 245
练习19-13：集体演出 245
练习19-14：酝酿情绪 246
练习19-15：情绪过渡 246
练习19-16：切换频道 247
练习19-17：电视节目展销会 247
练习19-18：相亲 248
练习19-19：内心冲突 249
练习19-20：矛盾角色共存 249
第20章 带剧本的表演练习 251
20.1 场景分析 251
20.1.1 实例 252
20.2 通读 254
20.3 研读过程 254
20.4 “什么时候有用” 254
20.5 带剧本的表演练习 254
练习20-1：演员的特质 255
练习20-2：给剧本划分节拍 255
练习20-3：即兴内心独白 256
练习20-4：使节拍性格化 256
练习20-5：节拍点上的表演 257
练习20-6：给我太多了！ 257
练习20-7：让我们成为英国人 258
练习20-8：情节点检查 258
练习20-9：角色转换 258
练习20-10：将场景变成即兴表演 259
第21章 选演员 260
21.1 概述 260
21.2 选角分析及角色的描绘 261
21.3 吸引申请人 262
21.3.1 寻找演员的消极方式 262
21.3.2 寻找演员的积极方式 262
21.4 安排第一次试镜 263
21.4.1 答复电话应征者 264
21.4.2 演员到达 264
21.5 指导第一次试镜 266
21.5.1 开始试镜 266
21.5.2 理想人物的危险 266
21.5.3 独 白 267
21.5.4 冷读 267
21.6 第一轮之后的决策 268
21.6.1 反面角色和分类型选角 268
21.6.2 长期或短期选择 269
21.6.3 性格不断发展的角色 269
21.7 第一次复试 269
21.7.1 附加独白 269
21.7.2 剧本段落表演 270
21.7.3 即兴表演 270
21.8 第二次复试 270
21.8.1 面 谈 271
21.8.2 混合、搭配演员 271
21.9 最后的选择 271
21.9.1 整体印象回顾 271
21.9.2 镜头前的考验 273
21.10 公布选角结果 273
21.10.1 给予和收获 273
第22章 深度挖掘剧本 274
22.1 影片长度与时间控制 274
22.2 阐释剧本 275
22.3 两种类型的电影，两种准备 275
22.3.1 视觉化 276
22.4 准备工作 276
22.4.1 分解成可掌控的单元 276
22.4.2 剧本分析 277
22.4.3 定义潜文本和隐喻 277
22.5 揭示戏剧力度的工具 277
22.5.1 框图 279
22.5.2 曲线图的张力与节拍 280
22.6 首次时间安排 285
第23章 演员和导演为一个场景做准备 286
23.1 演员的准备 286
23.1.1 给定的情境 286
23.1.2 背景故事与人物小传 286
23.1.3 调 整 287
23.1.4 目 标 287
23.1.5 定义动作 287
23.1.6 其他角色如何看自己？我如何看待自己？ 287
23.1.7 别的角色试图对我做什么，或他们想从我这里得到什么？ 288
23.1.8 节拍 288
23.1.9 调 整 288
23.1.10 维持角色的内在声音与心灵的眼睛 288
23.1.11 理解角色的作用 288
23.1.12 了解整部作品的主题意图 288
23.2 导演的准备 288
23.2.1 潜文本、场景分析、指导的权威 289
23.2.2 冲 突 289
23.2.3 加强戏剧张力 289
23.2.4 “笼统的”表演 289
23.2.5 角色节奏中的变化 290
23.2.6 强制性的时刻 290
23.2.7 决定每一个场景的作用 290
23.2.8 整部作品的主题意图 290
第24章 初见演员 291
24.1 制定排练时间表 291
24.2 初次会面 292
24.2.1 项目引导 292
24.2.2 调查研究与视觉化 292
24.3 排练场地 293
24.4 带着剧本工作 293
24.4.1 做笔记 293
24.4.2 第一次排练：桌边朗读 294
24.4.3 加深对角色的认识 294
24.4.4 最重要场景的讨论会议 295
24.4.5 和演员单独见面 295
24.4.6 收集反馈意见并建立工作节奏 296
24.4.7 排练的顺序 296
24.4.8 角色的复杂性 296
24.4.9 处理“反面”角色 296
24.4.10 让问题溜走 297
24.4.11 只解决主要问题 297
24.4.12 从节拍到节拍，戏剧性单元 297
24.4.13 关注主题意图 298
24.4.14 肢体动作 298
24.4.15 一个长期的过程 298
第25章 排练和计划拍摄范围 299
25.1 脱稿排练 299
25.1.1 将思考与意愿融入动作 299
25.1.2 充分利用空间 300
25.1.3 角色的心理活动 300
25.1.4 当角色内心不够丰富 300
25.1.5 反应 300
25.1.6 有用的误解 300
25.1.7 潜台词的表达 301
25.1.8 自发状态 301
25.1.9 调 度 301
25.1.10 提示和节奏 302
25.1.11 使用布景 302
25.2 导演作为积极的观察者 302
25.2.1 形式：用陌生的眼光去观察 302
25.3 排练录像 303
25.3.1 什么时候不应该为演员播放他们的表演 304
25.4 跟随电影工业 304
25.5 检查时长 305
25.6 制作“草稿” 305
第26章 美术设计 306
26.1 美术设计问题清单 306
26.2 实例讨论 307
26.2.1 选定色调的重要性 309
26.3 设计一个世界 310
26.3.1 情绪 310
26.3.2 服装 310
26.3.3 声音 311
26.3.4 化妆与发式设计 311
26.3.5 背景墙、家具及道具灯 311
26.4 设计确认 312
26.5 蓝幕或绿幕 312
26.6 模型 312
26.7 场面调度 313
第27章 前期会议和设备确定 314
27.1 拍戏的日程安排 314
27.1.1 根据场景地安排拍摄顺序 319
27.1.2 根据剧本安排拍摄顺序 319
27.1.3 关键场次及表演安排 320
27.1.4 情绪上需要的安排 320
27.1.5 天气及其他突发事件的考虑 320
27.1.6 每场戏拍摄时间的分配量 321
27.1.7 提前或超时完成 321
27.2 拟定预算 321
27.2.1 线上预算与线下预算 322
27.2.2 成本流程和成本报告 323
27.2.3 保险 324
27.3 拟定设备清单 324
27.3.1 警惕：繁琐的设备 324
27.3.2 警惕：设备不兼容 325
27.3.3 数字采集 325
27.3.4 消费级摄影机的缺点 327
27.3.5 电影生成 327
27.3.6 声音 328
27.3.7 后期制作 329
27.4 租用设备 330
27.5 剧照 330
27.6 同意预算和日程表 330
27.7 与演员和工作人员签订合同 331
27.8 特别提醒 331
27.8.1 黄金法则1：做最坏的打算 331
27.8.2 黄金法则2：先测试，再实施 331
27.9 制片聚会 331
第六部分 制作 333
第28章 培养创作团队 335
28.1 关于剧组成员和演员 335
28.1.1 使用有经验的人 335
28.1.2 培养你自己的创作团队 336
28.1.3 剧组成员的性情 336
28.1.4 剧组成员的礼节 337
28.2 剧组成员的职责 337
28.2.1 责任范围 337
28.2.2 职责说明 338
28.2.2.1 导演部门 339
28.2.2.2 制片部门 339
28.2.2.3 摄影部门 343
28.2.2.4 声音部门 345
28.2.2.5 美术部门 346
28.2.3 后期制作部门 348
第29章 场面调度 349
29.1 目 的 349
29.2 分析电影 350
29.3 长镜头VS短镜头 350
29.4 固定镜头VS移动镜头 353
29.5 摄影机的主观表达法或客观表达法 353
29.6 关联性：分离拍摄法和综合拍摄法 354
29.7 勇于追求简单 354
29.8 摄影机作为观察意识 354
29.9 导演工作的核心：故事讲述者的视点 355
29.10 处理一个场景 356
29.10.1 剧本、概念和场景设计 356
29.11 视点 357
29.11.1 谁的视点？ 357
29.11.2 视点可以改变 358
29.12 妥协：空间、感知和镜头 358
29.12.1 镜头不同于人眼 358
29.12.2 画幅比例 359
29.12.3 选择摄影机镜头类型 360
29.12.4 透视和标准 361
29.12.5 摄影机与拍摄对象之间的距离变化引起的透视变化 361
29.12.6 控制透视 362
29.12.7 变焦特写VS推摄特写 362
29.12.8 镜头类型与图像质地 362
29.12.9 为什么会有胶片感与电视感 363
29.12.10 镜头速度 366
29.13 摄影机高度 367
29.14 限制摄影机的运动 367
29.15 适应局促的位置 367
29.16 后景 368
29.17 摄影机作为揭示的工具 368
29.18 为摄影机所做的妥协 368
29.18.1 用自己的方式工作 369
29.19 向大师学习 370
第30章 编写分镜头剧本 371
30.1 诊断问题 371
30.2 计划拍摄范围 373
30.3 “切至海鸥” 373
30.4 在拍重要场面时要用多种方式 374
30.5 平面示意图和故事板 374
30.6 剧本分析 374
30.7 机位设置 376
30.7.1 使用张力线 377
30.7.2 主观的和客观的 377
30.7.3 显示关系 379
30.7.4 没有规则，只有意识 379
30.7.5 不要越轴 379
30.7.6 重组和重置转场 379
30.8 计划从何处剪辑 380
30.8.1 运动是最佳的剪辑点 380
30.8.2 为强化与放松而剪辑 380
30.8.3 变换视角的剪辑 380
30.9 意外的计划 380
30.9.1 拍摄顺序 380
30.9.2 对照清单 381
30.9.3 注意进程 382
第31章 开机之前 383
31.1 装配布景 383
31.1.1 避开影子和借位 383
31.2 初始设定与编排 384
31.3 调度和第一次排练 384
31.3.1 放置走位标记 384
31.3.2 排练 384
31.3.3 用替身试灯光 384
31.3.4 第一遍过场 385
31.3.5 带妆彩排 385
第32章 开机 386
32.1 镜头标记系统 386
32.1.1 镜头和场景标记 386
32.1.2 场记板 387
32.1.3 镜位和镜头编号 389
32.2 拍摄记录 389
32.2.1 双系统录音 389
32.2.2 胶片拍摄 390
32.2.3 数字拍摄 392
32.2.4 拍摄记录如何起作用 394
32.3 倒计时“标记”，然后“开拍” 394
32.3.1 不用拍板开始 395
32.3.2 工作人员的责任 396
32.4 谁可以叫“停” 396
32.5 临时镜头 397
32.6 胶片洗印 397
32.7 补充镜头 397
32.8 注意动向 398
32.9 调度的改变 398
32.10 导演、场记和连戏报告 398
32.11 场记表 398
32.12 完工 399
第33章 现场录音 401
33.1 监听所有录音 402
33.2 声音原理 402
33.3 录音专家应该物色每个位置 402
33.3.1 未预料到的拍摄环境 403
33.4 录音设备 404
33.4.1 录音机 404
33.4.2 话筒 405
33.4.3 录音杆 406
33.4.4 外景混音器 406
33.5 录音要求 407
33.5.1 直接与反射的声音 407
33.5.2 环境声和现场声音轨 408
33.5.3 阴影和多话筒系统 408
33.5.4 声源到话筒的距离 408
33.5.5 布景内的声音 409
33.6 音效和独立音轨 409
33.6.1 循环氛围声音 409
33.6.2 声景 410
33.7 自动对白补录 410
第34章 场记工作 411
34.1 协调与通告 411
34.2 剧本分析 411
34.3 时间表 412
34.4 计划拍摄 412
34.5 场景衔接的类型 412
34.6 服装和道具的失察 413
34.7 场记分析 413
34.8 时间 413
34.9 注意对白 414
34.10 动作衔接 414
34.11 各个角度拍摄的镜头 414
34.12 剧本划分 414
34.13 场记的位置 415
第35章 指导演员 416
35.1 日常安排 416
35.2 你的职责 417
35.3 初始阶段演员的焦虑 417
35.3.1 提醒演员拍摄进程缓慢 417
35.3.2 拍摄之前 417
35.3.3 紧张及其后果 417
35.3.4 走上正轨 417
35.4 导演工作 418
35.4.1 将自己和工作人员、演员分开 419
35.4.2 排练 419
35.4.3 开拍前 419
35.4.4 拍摄一条之后 419
35.4.5 要求与反馈 420
35.4.6 当戏陷入僵局时要临场指导 421
35.4.7 反应镜头 421
35.4.8 拍摄新镜头 421
35.5 挑战你的演员 422
35.5.1 人人需要反馈 422
35.5.2 感官超载 422
35.6 委托 423
35.7 批评与反馈 423
35.7.1 来自演员 423
35.7.2 来自工作人员 424
35.8 士气、疲惫和紧张 424
35.9 保护演员 424
35.10 你要做出表率 424
35.11 利用交流时间和休息时间 425
35.12 结束一天的工作 425
35.12.1 不要把每日样片给演员看 425
35.12.2 和工作人员共同观看样片 425
第36章 指导剧组工作人员 426
36.1 限制你的责任 426
36.2 主动性 426
36.3 交流 427
36.4 透过摄影机看 427
36.5 推进进度 428
36.6 当你和工作人员单独在一起时 428
36.7 结束一天的工作 429
36.8 每日样片 429
第37章 监管进程 430
37.1 监控你的资源 430
37.2 表演与拍摄的质量 431
37.3 实现原创的意图 432
37.4 计算进度 433
37.5 超越现实 434
37.6 放弃控制 434
37.7 让故事讲述者常驻心中 435
37.8 开销报告 435
37.9 在拍摄工作的最后阶段 435
第七部分 后期制作 437
第38章 准备剪辑 439
38.1 后期制作团队 439
38.1.1 剪辑师 439
38.2 剪辑影片和视频 440
38.3 后期制作概况 442
38.3.1 同步工作样片 444
38.3.2 做好工作样片记录 445
38.3.3 工作人员样片查看会议 445
38.3.4 做笔记 446
38.3.5 反馈 446
38.3.6 剪辑师和导演观看样片 446
38.3.7 唯一的电影出自样片 446
38.3.8 标记剪辑剧本 447
38.4 开始剪辑 448
38.4.1 合成 448
38.4.2 与导演一起开始工作 448
38.4.3 合作关系 448
38.4.4 身兼剪辑师一职的导演 449
第39章 在第一次合成的样片上开始工作 450
39.1 硬件和软件 450
39.2 不同的制作方法 451
39.2.1 数字采集、数字后期、数字发行 451
39.2.2 数字采集、数字后期、胶片发行 451
39.2.3 胶片采集、数字后期、胶片发行 451
39.3 剪辑力学 452
39.4 声音考量 452
39.5 时间码：NTSC丢帧和不丢帧格式 453
39.6 剪辑观念 453
39.7 第一次合成 454
39.8 观看第一次合成的样片 454
39.8.1 无干扰 454
39.8.2 你有些什么东西？ 455
39.8.3 第二次播放样片 455
39.8.4 诊断式提问 455
39.8.5 观看完第一次合成样片后的决议 457
39.8.6 优先次序 457
39.8.7 篇 幅 457
39.8.8 结构 457
39.9 把剪辑工作留给剪辑师 457
第40章 剪辑原则 459
40.1 剪辑是一种模拟性的观察 459
40.2 眼神交流 460
40.3 观看的过程也是思考的过程 461
40.4 摄影机位如何透露心理优势 461
40.5 内心生活 461
40.6 从观察者到讲述者 462
40.7 剪辑影响潜台词 462
40.7.1 改变表演节奏 462
40.7.2 潜台词的力量 462
40.7.3 创造或者改变潜台词 463
40.8 视觉与听觉的剪辑节奏：一个音乐的类比 464
40.8.1 有节奏的相互作用 464
40.8.2 和声 464
40.8.3 对位 464
40.8.4 不协和音 465
40.9 重叠剪辑和转场 465
40.9.1 对话段落 465
40.9.2 段落转场 466
40.9.3 音效在场景省略中的作用 467
40.10 实现流畅性的问题 468
40.10.1 实际的对位法：流畅地统一素材 468
40.11 粗剪浏览 469
40.11.1 观看整部电影 470
40.12 观众 471
40.12.1 剧情发生在观众的想象里 471
40.12.2 观众作为积极的而不是消极的参与者 471
40.13 总结 471
40.14 求助，我不能理解！ 472
第41章 学会分析和利用反馈效果 473
41.1 诊断的方法 473
41.1.1 设计一个流程图 473
41.1.2 再次使用流程图 475
41.2 试片 475
41.2.1 试片的观众 475
41.2.2 准备工作 475
41.3 勇于接受批评并充分利用意见 476
41.3.1 听取意见，不要辩解 476
41.3.2 引导评价 476
41.3.3 平衡不同的意见 476
41.3.4 以自我为中心的批评意见 477
41.3.5 内心的折磨 477
41.3.6 谨慎地做出改变 477
41.3.7 坚持你的中心意图 477
41.3.8 承认失误 477
41.3.9 拖延的作用 478
41.3.10 尝试，再次尝试 478
41.4 适时结束 478
41.5 对所有材料进行最后检查 478
第42章 处理音乐 479
42.1 配置音乐的过程 479
42.2 选择音乐与使用现成音乐 479
42.3 版权 480
42.4 音乐资料库 480
42.5 雇一名作曲家 480
42.5.1 会花多长时间？ 481
42.5.2 开始工作 481
42.5.3 示例音乐 481
42.5.4 制作一份音乐线索表 482
42.6 基调：剧情音乐与非剧情音乐 483
42.7 什么时候该用音乐，什么时候不用 483
42.7.1 冲突以及找准同步点 484
42.8 现场演奏的音乐 485
42.9 音乐剪辑和音乐匹配 485
42.10 混音 485
第43章 从精剪到混音 486
43.1 精剪 486
43.2 声音定稿 486
43.2.1 声音、心理声学以及声音对于叙事的作用 486
43.2.2 音效（SFX）和声音配置环节 487
43.2.3 后期同步对白（ARD） 488
43.2.4 拟音音效和同步音效再造阶段 488
43.2.5 老套的音效 489
43.3 混音 489
43.3.1 混音的作用 489
43.3.2 混音的准备工作 490
43.3.3 解说或画外音 491
43.3.4 对话音轨和声音不一致的问题 491
43.3.5 音乐音轨 492
43.3.6 氛围声音和背景音 492
43.4 混音策略 492
43.4.1 预混 492
43.4.2 修剪 493
43.4.3 相对音量：需要引起注意的错误 493
43.4.4 检查每一部分，然后再听整体效果 493
43.4.5 制作安全备份，然后将它们分别储存 494
43.4.6 音乐和音效音轨 494
第44章 字幕、鸣谢以及宣传物料 495
44.1 片头字幕 495
44.2 对白字幕 496
44.3 宣传物料 497
44.4 充分利用电影节和放映机会 497
第八部分 职业轨迹 499
第45章 职业规划 501
45.1 职业规划的自我评估问卷 501
45.2 机遇 504
45.3 技而优则导 504
45.4 校外纪录片导演 505
45.5 激情四射 505
45.6 电影学校招生 505
45.7 成功属于谁 505
45.8 行动起来 506
45.9 你在电影学校学到的 506
45.10 开始当学徒 508
45.11 自救是一种现实的选择 508
45.12 职业能力测试的答案 508
第46章 主流电影院校 510
46.1 选择适合的学校 510
46.2 北美的电影学校 513
46.3 出国留学 516
46.4 CILECT成员学校 516
46.5 未出校门前做好职业准备 517
第47章 进军电影界 518
47.1 电影节、研讨会和获得认可 518
47.2 实习 519
47.3 居住环境的影响 519
47.4 自身素质 520
47.5 妥协？ 520
47.6 导演之路 520
47.6.1 手艺人 521
47.6.2 心有猛虎，破茧而出 521
47.6.3 迈向成熟 521
47.6.4 空想家：毕业即成导演 522
47.6.5 攒足经验，即成导演 522
47.7 低成本市场与直接发行DVD的影片市场 522
47.8 自由职业 523
47.9 电视之路 523
47.10 发展机构 523
47.11 样片的重要性 524
47.12 在应聘中秀出自我 525
47.13 发展新计划 526
47.13.1 寻找主题 526
47.13.2 找一个代理人 527
47.13.3 形式与市场性 527
重要词汇 528
参考书目与网站资源 549
出版后记 557